28-4-2017.-
Salimos de Lorca Mari Carmen, Mati, Rocío, Juan y yo en el coche de Juan y
Rocío camino de Valencia para coger el avión que nos trasladará a Pisa. Media
hora después nos siguen Bernarda, Carmen y Pepe. Tras un ligero aperitivo, a
pasar por el escáner. Mala suerte para Rocío porque la registran. A Mati le
hacen un pequeño control. Todos reunidos nos metemos en la larguísima cola (la
primera de las muchas que luego sufriremos) de la puerta de embarque,
convencidos de que con nuestras pequeñas maletas no tendríamos que esperar en
la cinta. Pero se nos acerca una azafata con unas tiras amarillas para colocar
nuestros equipajes camino de la bodega. Somos tantos los que hemos pensado lo
mismo que no hay sitio en cabina para todos. Además el avión sale con casi una
hora de retraso.
A las cuatro estamos en la cola de la entrada al museo. Vamos
derechos al David de Miguel Ángel -entrando por la sala de los cuatro
prisioneros destinados a la tumba del papa Julio II- y la Piedad de Palestrina,
todas ellas esculturas sin terminar. Estando el escultor en Roma sus amigos de
Florencia lo llamaron para que volviera y aprovechara un bloque de mármol que
había estropeado otro artista. Aunque el alcalde prefería a Leonardo da Vinci
acabaron por dárselo a Miguel Ángel. Primero hizo un modelo en cera. A
continuación se encerró en la catedral ocultándose a las miradas ajenas. Cuenta Vasari que el David supera en
belleza a todas las esculturas clásicas antiguas: “los contornos de las piernas
son bellísimos, la unión y esbeltez de las caderas divina”, por el que cobró
800 escudos. La figura está esculpida “ex uno lapide” (de una sola pieza) para
verla desde cualquier punto, no solo de frente como se hacía en la antigüedad.
Mide 4,10 m. David aparece en tensión con el ceño fruncido, preparándose para
el combate con Goliat y girando el cuerpo con un ligero “contrapossto” en el
que la pierna izquierda se adelanta a la derecha. Se le ha criticado que las
proporciones del cuerpo no corresponden con la figura humana: cabeza, manos y
torso son más grandes de lo recomendado por los clásicos. Aparentemente no está
circuncidado a pesar de ser judío, lo que sería contrario a la ley judía. El
escultor sobrepone la belleza al tema religioso. Los florentinos intuyen que la
mirada de David va dirigida hacia Roma, al papa. Por eso, cuando lo trasladaron
de la catedral, adonde iba destinado, hasta
la Plaza de la Signoría lo apedrearon, llegando a romperle un brazo. No
se veía bien un desnudo en lugar sagrado. Para el escultor la desnudez
simboliza al hombre en armonía con la naturaleza. El trabajo duró de 1501 a 1504
y Miguel Ángel tenía 29 años cuando lo terminó. Desde entonces la República de
Florencia lo consideró el símbolo de la victoria del hombre frente al tirano.
De allí a la Plaza
del Duomo a tomarnos un helado. En un momento nos acercamos Bernarda y yo a
saborear de cerca las” puertas del paraíso” del Batisterio de S. Giovani realizadas
por Ghiberti en la creencia de que eran las originales. Después comprobamos que
estaban en el Museo de la opera del Duomo donde nos confirmaron que abrían el 1 de mayo aunque
fuese día de fiesta.
De vuelta al hotel
y tras un rato de descanso subimos a la terraza del sexto piso para fotografiar
la ciudad desde las alturas, cúpulas, torres, tejados… Al salir a cenar vemos
un cartel en el que se anunciaba la representación de “La Traviata” en uno de
los salones, pero ya había hambre. Encontramos un sitio donde ofrecían el
aperitivo típico italiano en el que podías tomar todas las tapas expuestas
durante unas horas más la bebida por 7 euros por persona.
Domingo 30-4-17. Después del desayuno salimos en busca de la
casa de Dante y la iglesia de Santa Margarita donde conoció a Beatriz de la que
quedó platónicamente enamorado, haciéndola aparecer como su acompañante en el
paraíso de la “Divina Comedia”, pero estaba cerrado. Seguimos hasta los Uffizi
porque teníamos entradas reservadas para las once. Tras la espera en la cola
nos dicen que la hora está confundida, la reserva es para las dos. Cambio de
planes, nos vamos a ver la iglesia de la Santa Croce en cuya placeta hay una
gran estatua de Dante. Otro inconveniente, no abren hasta las dos así que nos
vamos a visitar la sinagoga judía, un edificio del siglo XIX con tres cúpulas
verdes y un interior decorado al estilo oriental. Tiene un pequeño museo. Pepe
y Juan se ven obligados a cubrirse la cabeza con una kipá negra recauchutada y
las mujeres, para ir a tono, se ponen los fulares de manto.
Volvemos por la orilla del río a comer rápido porque nos
temíamos larguísimas colas para sacar las entradas reservadas y luego para
entrar a ver el museo de los Uffizi. Un
buen parón a pleno sol en el que mi hijo Juan ejerce de coyuntural sombrilla. Los
Uffizi reciben el nombre de las antiguas oficinas de los Medici cuyo diseño se
debe al arquitecto Vasari. En los exteriores se exponen esculturas de artistas
del renacimiento florentino en hornacinas y un arco al fondo que da al río
sobre el que se representa uno de los sepulcros de las tumbas mediceas.
Empezamos la visita a todo tren por la segunda planta que conduce a uno de los
tres corredores de esculturas antiguas, muchas de ellas son réplicas de obras
clásicas griegas o romanas, como el Laoconte y la Serie Aulica (los gobernantes Medici desde el
trecento al quincuecento) a los que dan las primeras salas. La segunda está
dedicada a Giotto y otros pintores del trecento que conserva el gusto por los
dorados y las vírgenes en ”maestá”. Nos detenemos a contemplar la “Batalla de S.
Romano” de Paolo Ucello, ganada por los florentinos gracias a la valiente
intervención de un mercenario. Llevan los famosos yelmos a cuadros “mazzochi”
característicos del siglo XV. Una de las pinturas más originales es el Díptico
de Federico de Montefeltro, gran mecenas, y su esposa Battista Sforza, pintado
por Piero de la Francesca (su madre), ambos de perfil como si de unas monedas
se tratara pues están pintados por detrás. El Duque de Urbino coronado por la
Victoria y la duquesa llevada por unicornios. El perfil de Federico era
obligado porque había perdido un ojo en un torneo pero eso iba en detrimento de
una fea nariz que se había roto en otro torneo. Los comitentes eran los que
encargaban el cuadro y lo hacía un poco como mecenas, otro poco por religiosidad,
algo como negocio y en especial por conseguir fama. Unas veces aparecían en la
pintura y otras no, casi siempre de perfil. Ella luce una despejadísima frente
a la moda de la época, un tocado de cintas muy rebuscado y relucientes joyas al
estilo flamenco. Siguiendo con los pintores del quattrocento llegamos a
Frangélico llamado “Angélico” por su temática religiosa y su gran devoción (el
que no se lo crea que pruebe el conocido licor). Decía Vasari que nunca pintó
un crucifijo sin derramar unas lágrimas. Fue beatificado por Juan Pablo II en
1982. Empezó como iluminador de misales y terminó como retablista. Conserva la
elegancia decorativa del gótico en los dorados (mezcla el pan de oro con el
rosa y el azul, como se puede ver en la “Anunciación” del Museo del Prado) y en
los paisajes naturalistas, pero inicia el renacimiento con el estudio de la
perspectiva. En “La coronación de la Virgen” de los Uffizi, Cristo y la Virgen
flotan sobre una nube. A su lado un coro de ángeles músicos y bailarines. Los santos
rodean la escena. De esta época también es la “Virgen con el niño” de Filippo
Lippi, figura de gran delicadeza y dulzura, la cual está situada frente a una
ventana, con la mirada baja, las manos en oración, un poco ajena al niño que le
tiende los brazos. De los dos ángeles que acompañan la escena uno mira al
público. Destaca el color azul intenso frente a la pálida blancura del cuello y
la trasparencia del velo. Las vírgenes son el prototipo de la belleza
florentina: boca carnosa, sin enseñar los dientes y el mentón saliente. Es
evidente que en el renacimiento las vírgenes se humanizan con rostros sensuales,
para ello los artistas utilizan a sus amantes, esposas o favoritas de los
mecenas. Aquí la modelo fue Lucrecia Buti, monja de 21 años a quien sedujo o
raptó dejándola embarazada del que sería el pintor Filippino Lippi. Intervino
Cosme de Medici ante el papa para que se pudieran secularizar y casarse. Tiene
influencia de Boticelli en cuanto a la introducción del paisaje, árboles y
montañas.
De todos los
pintores de la Galería ninguno despierta tanta admiración como Alessandro di
Mariano di Vanni Filipepi (1445-1510) conocido como Boticelli, apodo con el que
se conocía a su hermano por su profesión de orfebre y fabricante de barricas de
vino. Destacamos en primer lugar el cuadro de “La Primavera”, definida por
Vasari como “Venus, adornada por las Gracias, anuncia la llegada de la
primavera”. Representa una fábula mitológica en la que se celebra una especie
de rito pagano, aunque la crítica no se pone de acuerdo sobre su exacta
alegoría. Desde el siglo XIX se discute lo que se esconde en la obra. La figura
de Mercurio representa a Giuliano de Medici y la Gracia que lo mira es
Simonetta Cattaneo, de casada Vespuci, con el que mantenía una relación
amorosa. La composición es simétrica. En el centro Venus, diosa del amor, la
belleza y la fertilidad. Las figuras, de elevada estatura, idealizadas, con
ropas de colores claros y trasparentes se sitúan en un paisaje de naranjos
(árboles relacionados con los Medici, cuyos frutos aparecen en su escudo).
Quizá mejor mandarinas, cuyo nombre científico es “medica malae” en latín y que
harían referencia al apellido familiar. Hay que tener en cuenta que este cuadro
lo encargó Lorenzo el Magnífico para regalo de boda de su primo Lorenzo. De ahí
los laureles que aparecen en el lado derecho (Lorenzo = Laurentis). Junto a
Venus Flora que lleva en la cabeza violetas y una ramita de fresas. En el
cuello una corona de mirto, en el manto, rosas, pero ella va esparciendo
jazmines, nomeolvides, siemprevivas, clavellinas, etc. La fuente literaria más
probable es la Metamorfosis de Ovidio que describe la fiesta de Flora, antes Cloris, perseguida por Céfiro, dios del
viento, que la tomó por esposa a la fuerza. Arrepentido, le regala un hermoso
jardín donde reine eternamente la primavera. Ambos están representados a la
derecha de la pintura. Ha habido varias interpretaciones de esta obra. La
primera de índole filosófica-neoplatónica: el amor eleva al hombre del plano
material (el amor sensual de Céfiro y Cloris) al plano espiritual (el amor
platónico de Venus y Cupido). Guiados por Mercurio emprenderán el vuelo hacia
las esferas celestes. El caduceo de Mercurio (una vara con serpientes
entrecruzadas) es el símbolo de los médicos (Medici) y con él espanta las nubes
para disfrutar de una eterna primavera. Las tres Gracias son Castitas, Voluptas
y Pulchritudo. Otra interpretación es la política. Estaríamos ante el mapa de
Italia: Flora equivaldría a Florencia, Venus a Venecia, Cupido sería Roma (al
revés amor) y las tres Gracias representarían a Pisa, Nápoles y Génova. Hay
quien lo ha interpretado como un calendario rural y hasta con un concierto de
música. De menor tamaño es el cuadro de “El Nacimiento de Venus”. La diosa del
amor había nacido de los genitales del dios Urano cortados por su hijo Cronos y
arrojados al mar. Se representa el momento en que llega a la isla de Citera
empujada por el viento tal y como narra Homero. De ahí que el título no sea
correcto pues no es el nacimiento de la diosa sino su llegada a la isla. La
postura de las manos tapándose la desnudez repite la de las estatuas romanas de
las venus púdicas. A un lado Céfiro (el viento) y Aura (la brisa) en un abrazo.
Al otro Flora (la primavera), una de las Horas (diosas de las estaciones) trata
de cubrirla con un manto de motivos florales. El rostro de Venus parece el de
Simonetta Vespuci, bellísima florentina, muerta en plena juventud. Es una
belleza más espiritual que física aunque responde al ideal renacentista de tez
blanca y cabello rubio. Se halla en la pose llamada “contrapuesto” que resulta
más elegante También en este cuadro se han visto varias interpretaciones: la
neoplatónica-cristiana, porque ella nace del agua como el cristiano del agua
del bautismo; la filosófica que ve los cuatro elementos, agua, aire, tierra y
fuego (el color del pelo de Venus es de un rubio rojizo). Nos llama la atención
el color amarillento de esta pintura. Se cuenta que Boticelli mezcló huevos a
las pinturas para conseguir esas tonalidades.
La fama de estas dos obras ha oscurecido un
cuadro pequeño pero muy interesante, “La calumnia de Apeles”, escena mitológica
narrada por el poeta Luciano en la que un pintor griego, envidioso del pintor
Apeles, lo acusa de tramar una revuelta contra el rey egipcio Ptolomeo VI. Sin
embargo Apeles logra salir de la cárcel al presentarse el verdadero líder de la
revuelta. En compensación el rey le da como esclavo al acusador. ¿Se defendía
así Boticelli de la calumnia de homosexualidad? En realidad nunca se casó, le
tenía horror al matrimonio. O quizá quería señalar las calumnias de Savonarola.
Este dominico predicaba desde el púlpito de Santa María dei Fiori contra el
lujo, el lucro, la corrupción, la búsqueda de la gloria y la sodomía, que sospechaba se extendían por toda la
sociedad florentina. Fueron tristemente célebres sus “hogueras de las
vanidades” a las que los florentinos debían arrojar objetos de lujo y
especialmente libros licenciosos. Por sus críticas al papa Alejandro VI fue
excomulgado, quemado en la hoguera en la Plaza de la Signoría, y sus cenizas
arrojadas al Arno junto al Ponte Vechio. En el cuadro la víctima, un joven, es
arrastrado por los pelos por una bella doncella (la Calumnia) que lleva una
antorcha en la mano, dándonos a entender que la Calumnia se propaga como el fuego.
Le acompañan la Envidia y el Fraude, dos bellas jóvenes que no aparentan su
maldad. A lo lejos una mujer desnuda, la Verdad, levanta el dedo hacia el cielo
pidiendo justicia. Su fisonomía recuerda a la diosa de “El Nacimiento de Venus”. Un personaje que
hace de acompañante y que oculta el rostro bajo una capucha es la penitencia.
La víctima es llevada ante el rey en cuyas orejas de burro susurran la Sospecha
y la Ignorancia. Las orejas son de burro porque escucha las calumnias sin
distinguir la verdad de las mentiras. Al fondo un palacio de arquitectura
clásica. Destaca el colorido y el tratamiento de la luz.
Una figura famosa en
el renacimiento florentino es Giorgio Vasari, considerado uno de los primeros
historiadores del arte. Se le atribuye haber acuñado el término Renacimiento.
Destacado arquitecto, en cambio sus pinturas no han resistido el paso del
tiempo. De las que se conservan en este museo destaca “La fragua de Vulcano” en
la que Minerva, protectora de las artes, semidesnuda, enseña un dibujo a Vulcano, el cual está esculpiendo un escudo. Tanto
Minerva como los amorcillos, los putti, llevan casco. Las tres Gracias están
siendo pintadas por pintores desnudos y
de espaldas. Hoy se le recuerda más como autor de las “Vidas” de los artistas
italianos de su tiempo.
A continuación la
sala de Leonardo da Vinci considerado el paradigma del sabio renacentista,
versado en todos los ámbitos del conocimiento humano. Empezó a trabajar en el
taller de Andrea Verrochio, escultor, pintor, orfebre y músico, con el que se le
acusó de homosexualidad. Pronto el maestro vio que el alumno le superaba. Lo
vemos en el “Bautismo de Jesús” de Verrochio, donde se sospecha que los ángeles
los pintó Leonardo. Lo mismo podemos decir de la “Anunciación” en la que las
alas del ángel son de pájaro de verdad. Como buen científico era amante de los
animales. Iba por los mercados abriendo las jaulas de los pájaros para dejarlos
en libertad. Luego se veía obligado a pagárselos a sus dueños. Si aparecen como
suyas “La Anunciación” y “La adoración de los Reyes Magos”, donde los
espectadores que presencian la escena muestran un gran dramatismo en los
rostros. Pero en el paisaje es donde el joven Leonardo nos sorprende con una
suave luz que difumina los detalles, el “sfumato”.
Y llegamos a la
sala de Miguel Ángel presidida por el “Tondo Doni”, el único cuadro que se
conserva del genio renacentista y del que diseñó también el marco. Se llama
tondo por su forma redonda que en el renacimiento se asociaba con el
matrimonio. Fue un encargo de Agnolo Doni, un rico tejedor, para conmemorar su
matrimonio con una Strozzi, familia de famosos banqueros. La Virgen se vuelve
para coger al Niño que está junto a S. José en una escena de posición en
espiral. Detrás S. Juan y un grupo de “ignudi” (desnudos) que representan
ángeles pero sin alas. Los desnudos están de frente y recuerdan al Laoconte,
grupo escultórico helenístico que se acababa de descubrir. Magníficos los
colores y los pliegues del vestido de la Virgen. Ya en vida fue reconocido como
un genio en pintura, escultura, arquitectura y poesía. Se formó en la Academia
creada por Lorenzo el Magnífico donde todos los aprendices recibían un salario.
Y marchó a Roma para estudiar a los clásicos. Ocupando el centro de la sala la
“Arianna medicea” o “Arianna dormida”, escultura de mármol romana de gran tamaño y belleza
perteneciente al siglo II a. C. La joven levanta un brazo en el que apoya la
cabeza. Viste una larga túnica y calza sandalias.
De Rafael Sanzio,
llamado “el divino”, la obra más importante que conserva este museo es “La
Virgen del jilguero” o del “cardelino” como se dice jilguero en italiano. La
palabra viene de cardus, verdura que tiene espinas. Así el jilguero es el
símbolo de la pasión y muerte de Cristo. Pero es que además el jilguero se
alimenta de cardos. Se percibe la influencia de Leonardo en la posición
piramidal de las figuras y en el ”sfumato”. Otra pintura a destacar es “El
joven de la manzana” que no mira al espectador como manda la tradición, sino de
reojo. La manzana era símbolo de amor y conocimiento. Muy conocido el retrato
del papa mecenas Julio II de la familia della Rovere (roble), sentado en un
sillón, cuyo respaldo termina en dos grandes bellotas, su emblema.
Pasamos sin mucho detenimiento las salas de
Rubens, Rembrandt, Velázquez, el Greco y Goya porque de estos pintores tenemos
lo mejor en el Museo del Prado. Sí nos paramos en la “Venus de Urbino “de
Tiziano, también llamada “ Venus del perrito”, regalo del duque de Urbino a su
joven esposa. Evidente erotismo en esa Venus, que más que una diosa, es una mujer sensual que mira al espectador.
El color blanco de la carne contrasta con el fondo oscuro. Resulta un cuadro
intrigante por sus muchos significados ocultos, toda una alegoría del matrimonio:
el perro simboliza la fidelidad conyugal y la empleada que observa a la niña
hurgando en los cajones la maternidad. En la mano derecha la diosa sostiene
unas rosas de las que se ha caído una. La postura está tomada de la “Venus
dormida” de su amigo Giorgione, que a su vez sirvió de inspiración a Goya para
su “Maja desnuda” y a Manet para su “Olimpia”.
Otro cuadro bastante conocido es el de “Flora”, alegoría de una novia
que deja ver su anillo de compromiso entre las flores que lleva en la mano
derecha. Con la izquierda abre dos dedos en forma de tijera para decirnos que
pronto dejará de ser virgen.
Para el final he
dejado a mi preferido, Miguel Ángel Merisi más conocido como Caravaggio.
Empezamos por el “Escudo con la cabeza de Medusa” posiblemente su autorretrato
de joven. Conmovedora la expresión de la Gorgona al ver sus cabellos
convertidos en serpientes por obra de Afrodita envidiosa de su bella cabellera.
Tanto esta como la pintura de Baco son de su primera época. Es un dios joven,
reclinado a la manera clásica, con uvas y hojas de parra en el pelo, y
manoseando el cordel de la floja toga que lo cubre. Enfrente un bol de frutas y
una jarra de cristal con vino tinto como invitando al espectador a que se una a
él. Una de las características de Caravaggio es el realismo. Lo vemos en la
trasparencia de la copa y en que el vino se ha había servido recientemente por
la espumilla de la jarra. Las manos y la cara colorada frente a la blancura del
cuerpo muestran una ligera ebriedad, sin olvidar el aspecto andrógino del
sujeto. Hay quien ha visto una interpretación religiosa. Baco, dios muerto y
resucitado preanuncia a Cristo y al cáliz de la salvación. De la época de
madurez es “El sacrificio de Isaac” en
el que destaca el gran dramatismo del
rostro del hijo que espera la muerte a manos de su padre sometido a una prueba
divina y que el ángel llega a tiempo de evitar.
No quiero
abandonar los Uffici sin hacer mención a una escultura en mármol, copia de otra
copia romana del original griego en bronce del siglo II b.C., el ”Hermafrodito
durmiente” del que hay copias en los mejores museos del mundo desde el Louvre
hasta el de Nueva York.
Para descansar
subimos a la terraza desde la que se apreciaba una magnífica vista de la torre
del Palacio Vechio. Desde allí podemos ver que termina en un dorado león
rampante del que dicen los florentinos que se mea cuando llueve y una flor de
lis dorada, símbolo de la ciudad entre otros como las llaves doradas porque la ciudad era partidaria del papa, el
lirio rojo sobre fondo rojo y la palabra LIBERTAS aludiendo al deseo de los
vecinos de no pertenecer a nadie (ni al papa ni al Emperador del Sacro Imperio
Romano Germánico en la lucha entre güelfos y gibelinos). Se ven cerquita las bonitas
bíforas, ventanas geminadas o ajimez, con su parteluz, que son típicas del
gótico florentino. Las vemos en los palacios, en el Campanille del Duomo y en
alguna iglesia.
Al
lado de la salida del museo nos sentamos a tomar un refresco y de allí a la Plaza de la Signoría donde la
Sinfónica de Florencia estaba dando un concierto. Repasamos las esculturas de
la Logia dei Lanzi. Primero la de Perseo con la cabeza de Medusa que acaba de
cortarle y que chorrea sangre. Esta era la única de las tres Gorgonas que era
mortal. Las otras dos eran Esteno y Euriale. La violó Poseidón en el templo de
Atenea y la diosa ofendida por la profanación de su templo la castigó a ser
como sus hermanas, monstruos cuyos ojos emitían una luz que convertía en piedra
a quien las mirara. Atenea mandó a Perseo para que la matara y puso la cabeza
de Medusa en su armadura para petrificar a sus enemigos. Es obra de Benvenuto
Cellini y está realizada en bronce. El resto lo componen “El rapto de las
sabinas” de Giambologna en mármol, “Hércules y el centauro Neso” del mismo
autor, “Menelao y Patroclo” (copia restaurada de un original griego del siglo
IV a. C.) y “El rapto de Polixena” del siglo XVIII. De conversación con un
joven italiano nos aclara que se ha suspendido por primera vez la Noche Blanca
que tradicionalmente se ha venido celebrando con espectáculos en la calle como
entrada del verano florentino la noche del 30 de abril. Los sindicatos habían
pedido al alcalde que ese dinero lo dedicaran a resolver problemas sociales.
Nos hubiera gustado entrar al Ayuntamiento pero se ha hecho tarde. Llamado el
Palacio Vechio desde que fue el organismo principal de la República de
Florencia desde el siglo XV, después palacio Ducal al establecerse en él Cosme
I de Medici. Siendo cárcel estuvieron en
ella Savonarola y Cosme el Viejo. La
torre mide 95 m.
Después de un
breve descanso en el hotel nos vamos a cenar. No encontramos sitio. Todo lleno
y difícil dar con una mesa para otto.
Al final lo logramos en una terracita en la calle en la trattoria-pizzeria Cornelius donde mi hijo Pepe se pide, para
variar, una pizza quattro formaggi.
1 de mayo.-Después
del desayuno nos dirigimos a la iglesia de los franciscanos, la Santa Croce,
famosa por los sepulcros monumentales de florentinos ilustres. Empezamos por el
de Miguel Ángel, en cuya parte superior destaca el busto. Se sacó el rostro de la máscara funeraria. Le
acompañan tres esculturas, de izquierda a derecha la Pintura, la Escultura y la
Arquitectura, obra de Vasari. En la tumba de Galileo, este aparece con el
catalejo y le acompañan dos esculturas, la Astronomía a la izquierda y la
Geometría a la derecha. El sepulcro de Dante es diferente porque se trata de un
cenotafio con la inscripción “Honrad al más alto poeta”. Sus restos descansan
en Ravena. Junto a todos los anteriores se encuentra la tumba de Maquiavelo y
la de Enrico Fermi, premio nobel de Física y del que deriva uno de los
elementos de la tabla periódica, el fermio, todo estos datos nos los
proporciona mi ilustrado y cultísimo hijo Pepe que, a diferencia de sus dos
toscos hermanos, domina no solo el arte sino también la ciencia porque, al fin
y al cabo, es un hombre del renacimiento.
Hay pinturas de Bruneleschi, Donatello y Giotto. Este último
trabajó en cuatro capillas, en la primera de las cuales pintó el fresco de la
vida de S. Francisco. Terminamos en la capilla de los Pazzi y el claustro.
Fuera, en la Plaza de la Santa Croce vemos acercarse la
manifestación del uno de mayo. Van cantando la Internacional en un perfecto
italiano y enarbolando banderas de distintos partidos, tanto socialistas como
anarquistas y comunistas. Mi hija Carmen saca su vena rojeras y se suma a los
cantos de los perroflautas aunque, como no pasó de primero de italiano en la
escuela de idiomas, ella lo canta en español con el puño derecho en alto. Llegamos
hasta el Museo de la Opera del Duomo para ver expresamente la Magdalena de
Donatello tan recomendada y que realizó en la última etapa de su vida. Es una
talla en madera de gran originalidad, en la que la santa aparece muy mayor y
muy delgada. La leyenda dice que le pidió a Jesús que la convirtiera en fea
para salvar su alma, sacrificando su belleza. Extraordinarios los relieves de
la cantoría de Luca della Robia y Donatello. Niños y niñas junto a amorcillos
(putti) cantores que tocan instrumentos. Su cantoría de la catedral es el púlpito
para el órgano. Representa el salmo 150 de David “Laudate Dominum” que aparece
escrito. Luca della Robia, cuya familia se dedicaba a los tintes, introdujo la
técnica de la terracota esmaltada en blanco sobre fondo azul que se hizo muy
popular porque se podía utilizar en el interior y en el exterior de los
edificios. Nos detenemos en “La piedad de Bandini” que Miguel Ángel diseñó para
su tumba en Roma. La vendió a Fco. Bandini sin terminar cuando decidió ser enterrado
en Florencia. El cuerpo de Cristo al descender de la cruz lo sujeta Nicodemo,
un viejo con la cara del famoso escultor. A un lado la Virgen y al otro una
Magdalena en pequeño que parece ser añadida con posterioridad. Frente al grupo
escultórico hay escrito sobre mármol un soneto de Miguel Ángel que hemos
encontrado tanto en su idioma original como libremente traducido:
“ Giunto è già ’l corso della vita
mia, Llega
ya el curso de la vida mía
con
tempestoso mar, per fragil barca, con frágil leño en mar tempesteada,
al comun porto, ov’a render si varca al común puerto a dar,
atribulada,
conto e ragion d’ogni opra trista e pia.
cuenta y razón de su obra
triste o pía.
Onde l’affettüosa fantasia Aquella afectuosa
fantasía
che l’arte mi fece idol e
monarca que hizo del arte reina idolatrada,
conosco or ben com’era
d’error carca conozco
bien cuál fue de error cargada;
e quel c’a mal suo grado ogn’uom desia. que el hombre sin querer su mal
ansía.
Gli amorosi pensier, già
vani e lieti, Pensamientos de amor, alegres,
vanos,
che fien or, s’a duo morte
m’avvicino? ¿Qué son hoy
si a dos muertes me avecino?
D’una so ’l certo, e l’altra mi minaccia. De una estoy cierto, la otra me
amenaza.
Né pinger né scolpir fie più che quieti Ni el pintar ni esculpir con
estas manos
l’anima, volta a quell’amor
divino Serena
el alma, vuelta hacia el divino
c’aperse, a prender noi, ’n
croce le braccia. Que en
la cruz a todos nos abraza”.
Pasamos por la sala
donde se exponen todos los mecanismos utilizados por Bruneleschi para la construcción
de la famosa cúpula varias veces interrumpida por los albañiles que no la veían
segura. Tiene 114 m de altura con la linterna y se tardó 12 años en
construirla. El mismo Miguel Ángel se inspiró en ella para realizar la cúpula
de S. Pedro de Roma. Y terminamos admirando las auténticas puertas del
Batisterio de S. Giovani en bronce dorado entre las que destacan las” Puertas
del Paraíso” como las llamó Miguel Ángel, obra de Lorenzo Ghiberti a sus 20
años. Formadas por diez cuadros
inscritos en una rica y estrecha orla en la que aparecen las cabezas calvas de
él y el hijo que le ayudó. El paisaje y las perspectivas arquitectónicas dan
fondo a las movidas escenas bíblicas
El conjunto
arquitectónico del Duomo, el Campanille, y el Batisterio impresiona por su
belleza y elegancia al combinar en las fachadas los mármoles blanco de Carrara,
verde de Prato y rosa de Siena, siguiendo el estilo gótico florentino. El Duomo
pasó por varios arquitectos, empezando por Arnolfo di Cambio, siguiendo por Giotto
y Andrea Pisano, terminando por Francesco Talenti. El Batisterio, en el que fue
bautizado Dante, es el edificio más antiguo de Florencia, erigido sobre los
restos de un monumento paleocristiano. Es un ejemplo de arquitectura románico-toscana.
El campanario es un diseño de Giotto que murió antes de verlo terminado a
partir de un diseño alemán en uso en aquel tiempo, gótico alemán o
internacional. Mide más de 80 m. En la
parte superior las bíforas se convierten en triforas.
Empieza a llover y
nos refugiamos en una pizzería y después a comer. Como la lluvia no para nos
dividimos, unos al hotel otros de compras. Pero el tiempo mejora por la tarde y
nos disponemos a buscar el autobús que nos llevará hasta la elevada Plaza de
Miguel ángel para contemplar las maravillosas vistas de Florencia y la puesta
de sol sobre el Arno.
Nos recogemos a
descansar porque al día siguiente nos espera Andrea con el transfer a Pisa. De
allí a Valencia, y por fin a LORCA a
escribir este emocionante periplo por el Renacimiento florentino...
